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《書かれた音楽に自分なりの意味を持たせるということ》

　前回までは解釈について述べて参りました。今回はそれと少しかぶるのですが、「論理的解釈」に根拠を与えうる一因であり、あるいは逆に「論理的解釈」の末にたどりつく結論ともなる、すなわち表裏一体と言える「音楽のイメージ」について述べたいと思います。
　よく、先生に「この曲はどういう曲なの？」とか「ここはどういう場面なの？」とか聞かれて答えに詰まったことはないでしょうか。
　ある一つのフレーズまたはいくつかの連なるフレーズ、あるいは前回出てきたフレーズが２回目は変化しているときなど、そこに何かの意味を見いださなければなりません。
　今回は例としてリストの超絶技巧練習曲より第４番「マゼッパ」をとりあげます。
この曲はウクライナの英雄マゼッパが馬を操り勇ましく戦う様子を描いた作品ですが、３部形式かつ変奏曲形式になっており、中間部を挟んだ１、３部は似た形になっています。その１部と３部のそれぞれ最後を見てみましょう。

マゼッパより１部の最後


　まず１部の最後は減７の和音→Dの和音で完結しています。ここは戦いに勝利した場面でしょう。

同曲３部の最後


　次に３部の最後を見ると、１部同様減７の和音→Dの和音で終わるかと見せかけて突如減７の和音による２回のスフォルツァンドで急ブレーキをかけ、減７の和音の連続により急激に速度を落として下に落ちていきます。
　これはいったいどういう意味があるのでしょうか。これはあくまで私自身が持つイメージですが、あたかもここまで自由自在に駆け回ってきたマゼッパとその馬に、ついに放たれた弓が刺さり、人ものとも馬のものともわからぬ叫び声があがったと思ったら、先頭で戦っていた人間が馬から転げ落ちていくところに一気に視点がズームインし、その瞬間をスローモーションで見ているような印象を受けます。
ここまで軍を率いて数々の勝利を収めてきた英雄マゼッパの最期の瞬間です。

レチタティーボ及びコーダ


その後現れる悲劇的なレチタティーボ。まだマゼッパは息を引き取っていません。
特徴的なモティーフA、これは死にゆく彼の最後の声です。二度それを繰り返したのは一回は妻の名前であり、二回目は子供の名前かもしれません。

　この声に挟まれてオーケストラのような間奏（モティーフB）が入りますが、私はこれをマゼッパの心臓の鼓動であるととらえます。これは二度現れますが、レチタティーボ中185小節目を最後にマゼッパの呼吸は止ります。従ってその後のマゼッパの３回の声は彼の心の中の、この世で本当に最後の「声」にならぬ「声」であり、それはついに深淵な世界へと沈んでいきます。
　しかし、最後はオーケストラのtuttiによってDの和音で一気に締めくくられます。これはマゼッパの死とひきかえに祖国に勝利がもたらされたことを象徴しているような気がします。

　さて、このようなイメージをもったとき、二度のスフォルツァンド及びその後の落下していく減７、そして数度現れるモティーフAやモティーフBはどのようなデュナーミクで弾いたらいいのでしょうか。ここまで述べたのはあくまで私のイメージなのでここで結論を出すことはしませんが、とにかく同じフレーズでも違う意味を持たせることによって変化をもたらし、聴いている側にそのイメージを共有させうる効果をもたらす、ということを理解して頂ければ幸いです。

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《楽曲分析について（２）～楽譜は情報の宝庫である》

　楽譜を読むということがいかに奥深いか、例を挙げて見てみましょう。

　下の楽譜は、ベートーヴェンのピアノ・ソナタ第３０番Op.109の第３楽章の変奏主題です。
非常に簡素で美しい主題ですが、これを完璧なレガートで弾くことはまず技術的に難しいし、またこういうシンプルなものほど構成を明確にしておかないと音楽的には聴こえません。ショパンのようにさほどメロディックではなく、和声的で、音が少ない上にリズムが同じようなフレーズが繰り返されるので退屈に聴こえないようにするのはかえって難しいのです（単純な物ほど難しい、の法則でクラシック音楽における原則と言えましょう）。




　まず最初に全体を見渡すと、主題は前半と後半からなり、前半は４つのフレーズにわかれています。まずこの４つがどのような関係になっているかを考えなくてはなりません。フレーズAとBは旋律的に非常に似通っていますが、フレーズAはE-durで解決、フレーズBはH-durに向かっており、またAに比べBは上昇気配であることが伺える点で意味合いは大きく異なります。そして特筆すべきはベートーヴェンがわざわざフレーズBの終わりにクレッシェンドを書いていることで、フレーズBで高まった緊張をフレーズCの頭につなげなくてはなりません。
　次のフレーズCは下降気配ですが、ここでもまたフレーズDの頭に向かってわざわざクレシェンドが書かれており、レガートでよくつなぐようにしなくてはいけません。ただしC－Dにかけては全体としては既に下降に入っているし、またGis-Eを支えるバスE-Cis-Cがとても特徴的なのでクレッシェンドを音量的にやりすぎず、むしろテヌートの感覚で左を大事に聴かせる必要があるでしょう。
　後半の始まりはHのユニゾン、すなわちオクターブであり、なおかつアウフタクトのような感じで始まっていますから、これは多少音量的に少し高い位置すなわちフレーズDの終わりと同じ高さからはじまってよい、ということだと考えられます。そのとおり、フレーズEは下降が主な動きになっています。
　一方で、気をつけねばならないのは左がDis-Eis-FIS、Cis-Dis-E、B-Cis-Disという上行形が３度続きながら全体は下降している点です。これは重要な転調の連続なのでよく聴かせなければなりません。その最後の転調、すなわちgis-mollというゴールに行き着くことを強調するため、属和音を頂点に少しのクレッシェンドが書かれていますが、フレーズE自体が下降傾向にあり、クレッシェンドはその最後にあたるためあまり強くしすぎてはいけません。あくまで転調の行く末を示すためのものであると考えられるからです。

　このような具体的な分析から、このいたってシンプルに見える主題には多くの情報が含まれていることがわかります。これを何も考えずただ「歌うというあいまいな感覚」で弾いてはどうがんばっても50点です。特にこの曲の場合「変奏曲」である以上、主題の構成というのは後々の変奏の性格や構成を決定づける物であるため、本当に注意深く分析する必要があるのです。
　小さいフレーズを考えたならば、常にさらにもう一つ大きな単位の流れを考えましょう。それを繰り返すことによって、全体を把握した演奏が可能になるはずです。

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《楽曲分析について（１）》

　楽曲を分析するということはどういうことでしょうか。それは、音楽がどのように構成されているか理解することです。

　クラシック音楽とは、起承転結に沿って常に動き、そして流れるものでなくてはいけません。それは、ちょうど大きな山の稜線が上って下るまでにいくつかの小さな尾根があるように、大きな流れの中に小さなフレーズがいくつも存在しているような形になっています。演奏者は、同じようなメロディーがあっても、それが今何回目でどのような傾斜でどこに向かっているのかを弾く前から頭で理解している必要があります。頭で理解したら、今度はそれを実現できるよう息をたくさん溜め込み、腹筋を使って少しずつ、またできるだけ長いスパンで歌っていかなくてはなりません。
　これは旅の計画をたてるようなもので、例えば目的地について初日にものすごい散財をしてしまっては、その一日だけはとても楽しいでしょうが残りの滞在期間をひもじく暮らさなくてはならなくなります。
　それと同様に計画性のない音楽は、いかにその場その場で感情的に盛り上げようとしたところで、その瞬間とても美しく聴こえることはあっても、全体を通すと聴いてる側にはまとまりのない印象を与えてしまいます。

　要するに、一つのフレーズがどこに向かっていっているのか演奏者がはっきりと理解し、聴いている側にわかるようにもっていくことが非常に大切だということです。このことの重要性は、特にベートーヴェンやブラームス、またはやや即興的ではありますがモーツァルトのようなドイツ系のもので大きくなります。なぜならば彼らの作品は和声やリズムなどがシンプルで、ソナタや変奏曲など堅固な形式から成り立っており、またその構成力を欠いては音楽が根本から崩壊するからです。
　作曲家自身が意図的に構成しているのだから、演奏する側もかなりの割合で「意図的」でなくてはいけません。従って、自分が一つ一つのフレーズとその周りのフレーズとの関係、あるいはそれよりも大きな単位のフレーズの中における役割と位置を、よく考え明確にしておく必要があります。片時も感情のみに頼って適当になる部分があってはならないのです。楽曲を構成するあらゆる要素、調性、テンポ、和声、そしてリズム。それらがはっきりと把握されているかどうかということは、実は演奏者の思う以上に聴き手によく伝わってしまうものです。

　「ここがこうなのだから次はこうなのだ」という演奏はつまらない、と思われる方もいらっしゃるかもしれません。確かに、あまりに理論的にすぎる演奏は堅苦しく感じられることでしょう。
　しかし、現代の演奏スタイルは以前のヴィルトゥオーゾたちのいた時代と少し変わってきています。ホロヴィッツやルービンシュタインの古き良き時代、彼らはその完璧で切れ味のすばらしいテクニックや美しい音で、今の演奏家たちがまねできない魅力をもっていました。しかし、現代のピアニストたちはもっと穴の開くほど楽譜をよく読み、作曲学的構成への理解を徹底して弾いているため、まったく曖昧な部分を残していません。楽譜の解釈は人それぞれ違いますが、なにはともあれ彼らなりの考えを非常に理論的に表現します。

　それがやや冷たい印象を与える場合もありましょうが、「芸術作品である以上、音楽の構成そのものが美であり自然なのだ」という考えが現代の主流であり、あながちそれは間違いとはいえないでしょう。

　と同時に当然ながら芸術とは元来感情の発露であり、「形を作る」という意識だけでもいけません。そういう意味では理性と感情のバランスが高い次元でとれているものが聴衆に感動を与えうる優れた演奏である、といえるのではないでしょうか。